Peindre un colibri iridescent avec les aquarelles Winsor & Newton Professional

Matériel nécessaire

• Tubes d’aquarelle Winsor & Newton Professional :
  • Outremer français
  • Vert Winsor
  • Jaune sans cadmium
  • Magenta quinacridone
  • Gris de Payne
• Pinceaux synthétiques imitation martre Winsor & Newton (ronds n°4 et 6)
• Bloc papier aquarelle (grain satiné) – ou scotchez une feuille sur un support
• Médium aquarelle iridescent Winsor & Newton
• Verre d’eau, palette, essuie-tout
• Crayon, gomme
• Pinceau rigide type scrubber (optionnel)

Étapes de réalisation

Étape 1 : Esquisser le colibri

Commencez par dessiner légèrement ou décalquer le colibri sur votre papier aquarelle grain satiné (hot press). Il n’est pas nécessaire de représenter chaque plume en détail, l’objectif est de simplifier les formes pendant la peinture.

Vous pouvez aussi faire pivoter l’image selon vos préférences artistiques pour adapter la composition à votre goût.

Si vous dessinez à main levée, commencez par des formes de base simples et observez bien les proportions entre les différentes parties du corps.

Par exemple : Le cercle qui représente la tête mesure environ un tiers de celui utilisé pour le corps. La longueur de la queue équivaut à peu près à la longueur de la tête + corps. L’aile avant est à peu près de la même longueur que le corps et la queue réunis.

Astuce croquis :
Utilisez un trait très léger au crayon. Trop de gommages ou des lignes trop appuyées risquent d’endommager la surface du papier aquarelle, ce qui pourrait gêner l’application de la peinture par la suite.

Étape 2 : Préparer la palette

Commencez par déposer une petite quantité de chaque couleur sur votre palette, en laissant suffisamment d’espace entre elles pour faciliter le mélange. Ajoutez ensuite un peu de Médium Irisé Winsor & Newton sur votre palette ou dans une petite coupelle. Ce médium a l’avantage de sécher moins rapidement que les aquarelles de la gamme professionnelle, et il peut être réactivé avec de l’eau si nécessaire.

Autre atout : le Médium Irisé peut être utilisé dans n’importe quelle proportion avec vos couleurs. N’hésitez pas à créer des nuanciers avec différents dosages pour trouver l’effet nacré qui correspond le mieux à votre style.

Astuce :
La plupart des couleurs utilisées dans cette démonstration ont un pouvoir colorant très élevé. Une infime quantité suffit pour réaliser votre peinture. Vous pourrez toujours en rajouter si besoin.
Pour un rendu optimal, le Médium Irisé donne les meilleurs résultats lorsqu’il est associé à des couleurs transparentes.

Étape 3 : Couche de base

Dans cette étape, nous allons peindre du plus clair vers le plus foncé, en construisant l’illustration par superpositions de lavis. La couche de base sera un lavis très léger de vert Winsor mélangé à du Médium Irisé Winsor & Newton.

Dans une zone propre de votre palette, utilisez un pinceau humide taille #6 pour préparer un mélange de vert Winsor, d’eau et de Médium Irisé. Commencez par tremper votre pinceau dans le médium irisé, rincez-le, puis ajoutez une petite quantité de vert Winsor ainsi qu’assez d’eau pour obtenir un lavis léger aux reflets nacrés.

Astuce :
Toujours commencer par le Médium Irisé avant d’ajouter la couleur permet d’éviter de contaminer le médium avec des pigments.
Utilisez ce mélange pour réaliser une sous-couche légère, en vous concentrant uniquement sur les zones de l’oiseau où l’on retrouve des tons verts ou bleu-vert. Évitez les ailes, la queue et le dessous du ventre, car ces zones ne présentent pas de brillance.

Laissez sécher complètement cette première couche avant de passer à l’étape suivante.

Ne vous inquiétez pas trop de déborder légèrement du dessin. Ce premier lavis servira à apporter de la lumière et de la profondeur aux couches suivantes. Gardez également à portée de main un morceau de papier aquarelle pour tester vos mélanges avant de les appliquer sur votre œuvre finale.

Étape 4 : Superpositions colorées

Étape 4A : Travailler les contrastes et les nuances

À l’aide d’un pinceau propre taille #6, préparez un mélange de vert Winsor avec une pointe de bleu outremer français pour obtenir un bleu-vert foncé. Testez plusieurs proportions de vert et de bleu pour ajuster la teinte selon vos préférences. Une fois satisfait du mélange, rincez votre pinceau, puis ajoutez une petite quantité de médium irisé Winsor & Newton.

Appliquez cette couleur sur les zones les plus foncées du plumage de l’oiseau : le dessous du ventre, le cou, ainsi que les parties sombres de la queue. Laissez bien sécher cette couche avant de poursuivre.

Dans une zone propre de votre palette, réalisez ensuite un nouveau mélange avec un peu de jaune sans cadmium, du vert Winsor, et une touche de médium irisé, pour obtenir un vert lumineux. Appliquez cette teinte sur les zones du corps de l’oiseau où les nuances vert-jaune sont plus marquées.

Laissez à nouveau sécher complètement.

Astuce :
Utilisez un pinceau propre légèrement humide pour adoucir les bords trop marqués entre les différentes couches de couleur. Cela permet de créer des transitions subtiles et naturelles dans votre illustration.

 Étape 4B : Ajouter des nuances violettes et enrichir la palette

Pour finaliser les principales couches de couleur, réalisez un mélange de Magenta Quinacridone et de bleu outremer français afin d’obtenir une belle nuance de violet. Comme précédemment, testez différentes proportions sur une page de carnet de croquis ou un morceau de papier aquarelle. N’hésitez pas à prendre des notes : cela vous permettra de constituer une bibliothèque de mélanges personnalisés à réutiliser dans vos futures créations.

Appliquez ce violet dans les zones du plumage où vous percevez ces tons, notamment autour de l’œil et sur le haut des ailes. Cette couleur est également idéale pour suggérer les « nervures » des ailes. Laissez bien sécher.

Ensuite, vous pouvez revenir sur votre peinture et ajouter plusieurs couches supplémentaires avec chacun des mélanges précédents (vert-bleu foncé, vert lumineux, violet), selon l’intensité souhaitée.

Astuce :
Laissez certaines zones tirer davantage vers le vert, et d’autres vers le bleu, afin de créer un rendu dynamique, riche et intéressant visuellement. Cette variation subtile apportera profondeur et mouvement à votre aquarelle.

Étape 5 : Profondeur et contraste dans les ailes

À l’aide d’un pinceau taille #6, préparez un mélange composé de bleu outremer français, de Magenta Quinacridone, de gris de Payne et d’une touche de jaune sans cadmium. Ce mélange donnera une teinte violet-brun subtile et riche. Attention : le gris de Payne est un pigment très puissant, utilisez-le avec modération pour ne pas dominer les autres couleurs.

Ajoutez beaucoup de l’eau à ce mélange pour obtenir une lavis très transparent.

Commencez par appliquer une couche légère de cette teinte sur chaque aile. Laissez sécher complètement, puis ajoutez d’autres couches successives avec un mélange plus concentré (plus de pigments, moins d’eau) pour accentuer les zones d’ombre et de profondeur.

Conseil :
Vous pouvez jouer légèrement avec la température de votre mélange :
– Un ton plus froid et plus sombre pour l’aile arrière
– Un ton plus chaud et plus clair pour l’aile avant

Cela ajoutera du relief et un effet de perspective à votre peinture.

Astuce :
Inutile de peindre chaque plume avec précision : laisser les ailes un peu floues donnera l’illusion de mouvement, comme si l’oiseau était en plein vol.

Étape 6 : Créer des noirs profonds pour accentuer les contrastes

Avec un pinceau taille #4, préparez un noir optique (ou « faux noir ») en mélangeant du gris de Payne, du bleu outremer français, du Magenta Quinacridone, et une touche de vert Winsor. Ce mélange peut être modulé pour tirer davantage vers le bleu ou vers le vert, selon l’effet souhaité.

Pensez à tamponner votre pinceau sur un chiffon pour retirer l’excès d’eau : vous devez obtenir une peinture assez concentrée pour un bon contrôle lors de l’application.

Avec la pointe du pinceau, appliquez ce noir optique sur les zones les plus sombres du plumage : bec, yeux, ventre, ombres et plumes sombres de la queue. Reprenez également un peu de votre mélange vert de l’étape 4, combinez-le avec ce noir optique, et utilisez-le pour intensifier les zones sombres des ailes.

N’hésitez pas à superposer plusieurs couches, en variant légèrement les proportions pour donner profondeur et richesse aux zones sombres.

Étape 7 : Détails et finitions : donner vie au plumage

À cette étape, l’objectif est de suggérer la texture des plumes sans les peindre une par une.

Reprenez les mélanges de couleurs de l’étape 4, et appliquez-les en tapotant délicatement sur le corps de l’oiseau avec la pointe de votre pinceau. Suivez les variations de couleurs visibles sur votre photo de référence, pour un rendu plus naturel.

Une fois la peinture sèche, utilisez un pinceau humide pour éclaircir certaines zones en frottant légèrement. Vous ne pourrez pas les effacer totalement, mais vous pourrez les atténuer pour créer des effets de lumière et de texture.

Cette méthode est parfaite pour suggérer les plumes en créant de petites zones plus claires ici et là.

Enfin, après avoir ajouté tous vos détails, rincez votre pinceau, puis appliquez de petites touches de médium irisé sur certaines zones pour créer des reflets nacrés subtils. Cela viendra souligner la lumière et donner une touche finale élégante à votre illustration.

Astuce :
Pour la technique de « lifting » (éclaircissement), vous pouvez utiliser un petit pinceau rigide type « scrubber » pour obtenir plus de précision et de contrôle.

À propos de l’artiste : Angela Coppola

Angela Coppola est une artiste aquarelliste autodidacte originaire de Phoenix, en Arizona. Bien qu’elle se soit sentie artiste dès son plus jeune âge, elle a d’abord suivi des études et une carrière dans les sciences avant de revenir à l’art au début de la trentaine. Son esprit scientifique et son regard artistique partagent les mêmes qualités : une curiosité sincère, une attention fine aux subtilités et une capacité créative à résoudre les problèmes. Elle a appris à peindre par elle-même et a exploré différentes techniques à l’aquarelle, développant ainsi un style unique alliant un grand sens du détail et l’acceptation des imperfections. Elle travaille souvent sur des panneaux d’argile, un support qui lui permet de créer des œuvres à la fois lumineuses et durables.

L’univers visuel d’Angela Coppola est largement inspiré par les paysages du désert suburbain de son enfance. Elle est attirée par les images empreintes d’une nostalgie douce et éphémère, mais aussi par le processus de vieillissement, tant chez les personnes que les objets. En mettant en lumière la patine de la vie, elle souhaite encourager chacun à voir la beauté dans les choses du quotidien.

En savoir plus sur : @angela.r.coppola

À propos de Winsor & Newton

En 1832, le chimiste William Winsor et l’artiste Henry Newton ont uni leurs compétences — la rigueur scientifique de l’un et la sensibilité artistique de l’autre — pour offrir aux artistes une palette de couleurs d’une richesse, d’une clarté et d’une permanence inédites. Cet engagement envers la qualité et l’innovation est au cœur de l’héritage de Winsor & Newton, et continue d’inspirer la marque encore aujourd’hui. Dévoués à l’art des beaux-arts, nous accompagnons les artistes dans leur pratique en leur proposant des outils toujours plus performants pour stimuler leur créativité et partager leur vision avec une communauté mondiale. Toujours à l’écoute des nouvelles idées, des dernières technologies et des matériaux innovants, nous consacrons notre savoir-faire à la création des meilleurs matériaux d’art au monde, utilisés par certains des artistes les plus renommés de notre époque.

Ensavoir plus sur: www.winsornewton.com